Na indústria musical, os créditos são mais do que apenas nomes em letras miudinhas. Representam o investimento criativo, técnico e emocional envolvido na criação de uma música. Cada engenheiro, produtor, compositor, músico e vocalista desempenha um papel vital, mas, muitas vezes, os seus contributos são negligenciados.

Para nós, que estamos nos bastidores, ter os devidos créditos é a forma como mostramos o nosso trabalho e atraímos futuras colaborações. São o teu cartão de visita. O teu portefolio. Quer seja um músico ou um engenheiro de som, dar crédito a quem o merece é uma forma de respeito — e garante que todos os envolvidos recebem o devido reconhecimento.

Uma retrospetiva: como os créditos eram historicamente rastreados

Back in the day, a monitorização dos créditos era manual e propensa a erros. Durante a era do vinil e da cassete, os créditos eram frequentemente impressos nas capas dos álbuns ou no encarte. Era da responsabilidade da editora discográfica compilar esses créditos, dinamizando com os produtores e, por vezes, com os estúdios.

Os estúdios tipicamente mantinham registos das sessões ou folhas de trabalho que listavam todos os participantes. Embora estes registos fossem cruciais para a distribuição de royalties, nem sempre eram entregues com precisão, levando a omissões ou erros ortográficos que podiam assombrar a carreira de um criador.

Quando surgiram os CD’s, os booklets permitiam créditos mais detalhados. Mas, mesmo assim, os erros eram comuns e, se não fosses diligente, o teu nome talvez nunca seria conhecido além do estúdio. Avançando para a era digital, ainda vemos os mesmos problemas, embora agora tenhamos melhores ferramentas para rastrear créditos.

Quem era responsável pelo rastreio dos créditos?

• Editoras: Tinham a maior responsabilidade de finalizar e publicar os créditos. Dependiam dos produtores para enviar as informações necessárias, enquanto os estúdios registavam os detalhes técnicos.
• Produtores: Atuavam como intermediários, garantindo que as contribuições das sessões eram devidamente registadas e passadas para a editora.
• Estúdios: Mantinham registos das sessões, que eram essenciais, mas nem sempre partilhados ou tratados com precisão.

Quando o rastreio de crédito corre mal: a controvérsia entre Carol Kaye e James Jamerson

Uma das maiores disputas de créditos da história da música envolve Carol Kaye e James Jamerson, dois dos mais lendários baixistas de sempre. As suas contribuições moldaram alguns dos maiores sucessos da Motown e de outros lugares, mas por causa da forma como os créditos eram geridos naquela época, as coisas complicaram-se.

• James Jamerson era o rei indiscutível do baixo da banda interna da Motown, The Funk Brothers, e tocou em inúmeros hits, incluindo “My Girl”, “Ain’t No Mountain High Enough” e “Bernadette”.
• Carol Kaye, um membro importante dos The Wrecking Crew, também gravou para a Motown quando usavam estúdios na West Coast e tocou em faixas como “The Way You Do The Things You Do” e “I Was Made to Love Her”.

O problema? Muitas faixas da Motown não têm créditos oficiais claros. Algumas músicas que Kaye diz ter tocado são frequentemente creditadas a Jamerson, e vice-versa. Sem registos detalhados das sessões, isto transformou-se num debate de décadas baseado na memória, entrevistas e até na análise auditiva. Moral da história: acerte nos créditos, ou a história discutirá sobre eles para sempre.

Como acompanhar os créditos agora: uma abordagem simples e moderna

Hoje em dia, não há desculpas para créditos em falta. Embora as grandes editoras discográficas e as plataformas de streaming tenham sistemas mais sofisticados, os estúdios mais pequenos e os artistas independentes podem gerir este processo de forma eficiente. Eis uma forma simples de manter as contribuições de todos documentadas:

Crie um formulário de crédito básico:

Nome do artista/faixa: O título da música ou projeto.

Colaboradores e Funções: Nomes de todos os indivíduos envolvidos, juntamente com as suas funções (por exemplo, engenheiro de gravação, engenheiro de mistura, engenheiro assistente, produtor, compositor, etc).

Informação de contacto: E-mail, telefone ou rede social (opcional, mas útil para correções ou dúvidas).

Podes utilizar um Google Form, uma folha de cálculo ou até um modelo no teu DAW para recolher estas informações no final de cada sessão. Este passo simples pode evitar dores de cabeça mais tarde, quando chegar a altura de finalizar os metadados para um lançamento.

No meu caso em especifico, quando entrego os exports finais vai junto no arquivo um pdf explicativo do que é cada export, juntamente com a informação de como pretendo ser creditado e links para as minhas redes sociais e site. Mais informação sobre os meus exports finais aqui.

Conclusão: Proteger o trabalho e as pessoas que estão por trás dele

A atribuição adequada de créditos é mais do que uma tarefa administrativa — é um pilar da integridade na indústria musical. Como alguém que trabalha nesta área há anos, vi em primeira mão o quão importante é documentar e respeitar cada contributo. Quer seja um artista, produtor ou proprietário de um estúdio, reserva algum tempo para monitorizar os seus créditos. É um pequeno passo que pode fazer uma grande diferença para garantir que o trabalho árduo de todos seja reconhecido.

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Ad-libs – isto acaba por englobar muita coisa, no trap são os Skrrt, Ey, Whoo, Lez’go e por aí fora. No R&B pode ser um pequeno riff melódico de voz entre versos. No fundo adlibs são pequenas coisas improvisadas ao longo do som para lhe dar contexto e/ou ambiente.

Backs, background vocals ou segundas vozes – Quando se reforça determinada palavra ou conjunto de palavras, pode ser um uníssono ou em harmonia.

Beat – termo usado para falar do instrumental, normalmente para descrever instrumentais de hip hop.

Double ou Stack – Mais usado em refrões e bridges. É quando gravas vários takes da mesma secção, com o mesmo tempo, melodia e feeling.

Multitrack – São as pistas dos elementos individuais separados. Alguns podem ser mono, enquanto outros são estéreo. Podendo ter sido gravado de microfone ou entradas diretas, programados num sequenciador ou sampler.

Stems – As stems são pistas estéreo resultantes da mistura de várias faixas individuais. Por exemplo, uma stem de bateria normalmente é um ficheiro de áudio estéreo que soa à bateria toda (bombo, tarola, timbalões e pratos) já misturada.

TV Mix – É um export do tema sem as vozes principais e com o resto das vozes a um volume mais baixo para ser usado ao vivo.

Se te lembrares de alguma pertinente diz-me pelo formulário que adiciono.

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Um dos aspectos mais confusos da distribuição de música é o uso de um ISRC.

Neste post, vou responder às perguntas mais comuns:

– O que é um ISRC?
– Quando preciso dum ISRC?
– O ISRC pode ser codificado no ficheiro master .WAV?
– E o ISRC com a distribuição digital ou física da minha gravação?
– Onde posso obter um ISRC?

O que é um ISRC?

ISRC significa International Standard Recording Code e contém uma série de 12 letras e números.

Esses códigos são atribuídos à gravação de um artista para fins de catalogação e acompanhamento de uma música. Simplificando, é um código exclusivo da tua gravação. Uma impressão digital que ajuda a identificar a tua propriedade. Um ISRC é estruturado da seguinte forma: código do país / código do registado / ano do código de referência / código de designação.

O ISRC é uma das ferramentas que as empresas de royalties, como
Audiogest , usa para rastrear as vendas e reproduções de rádio, além de catalogar as músicas. Exemplo ISRC:

Quando preciso dum ISRC?

Precisas dum ISRC se estiveres pronto para lançar a tua gravação para o público.

Se estiveres pronto para promover, para vender ou para distribuir. É para isso que estes códigos foram criados.

É um registro documentado da tua música. E sim, vais precisar dum ISRC diferente para cada versão da música que quiseres lançar.

Ou seja, remixes, versões editadas para rádio, versões de TV ou instrumentais.

Pensares que cada ISRC é considerado uma impressão digital, pode-te ajudar a perceber por que precisas dum código original para cada versão diferente. Isso garante que cada música é catalogada e rastreada individualmente.

O ISRC pode ser codificado no ficheiro master .WAV?

Nos formatos tradicionais .WAV, a resposta curta é não. Ficheiros WAV individuais não armazenam ISRCs. No entanto, o engenheiro de masterização pode armazenar os ISRCs num master de CD ou DDP.

E o ISRC com a distribuição digital ou física da minha gravação? Onde posso obter um ISRC?

Quando colocas as tuas músicas nas plataformas digitais através duma empresa de distribuição digital – ao fazer upload – é atribuído um código ISRC para cada tema. Se a distribuição digital vier antes do formato físico, basta copiares/pedires esses códigos e entregar ao técnico que vai tratar do DDP que seguirá para fábrica. Se o formato físico vier antes da distribuição digital os códigos têm de ser pedidos à AFP – Associação Fonográfica Portuguesa através do seguinte email geral@afp.org.pt, os códigos são gratuitos e demoram 24h a ser emitidos.

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Tens um estúdio profissional? Porque não tens uma mesa de mistura daquelas famosas, uma SSL ou uma Neve? Tens a rack tão vazia, não tens mais compressores?

Uma mesa de mistura, embora seja bonita e prática, tem uma série de desvantagens que tombam a balança para o Não. Isto, num ponto de vista de mistura. Na minha opinião a mesa de mistura – dependendo do gênero de música que mais trabalhas – está obsoleta. Manter uma mesa de mistura é uma despesa muito grande tendo em conta as desvantagens que traz para o meu ritmo de trabalho.

Mas é prática ou não é prática?

Em 2018, a velocidade a que a musica é feita e consumida implica contornar a mesa de mistura para que o workflow e o recall seja imediato. Não há nada como abrir um projecto, fazer um “save as… edit X“, descer uma harmonia, exportar e enviar para o artista. Depois há a questão do commitment, decidir sobre um som/estética e assumir que é assim que vai soar. Exemplo: quando termino uma mistura em Janeiro e o artista/produtor se lembra em Março de dizer: “Mic, tas a ver aquela guitarra no tema X? Opa, cruzei-me com o guitarrista Y e ele vai tocar uma cena naquela vibe mas com um feeling mais coiso, tás a ver? Eu curti o som que deste, aquela distorção e FX tão no ponto, vou te enviar o sinal clean da DI e é só substituir!”  Se usei o Guitar Rig é tranquilo. Se usei 3 pedais, um amp e uma coluna (que por acaso estava emprestada aqui ao estúdio duma outra sessão), tudo a entrar para a mesa onde estou a usar EQ e a fazer um envio para um reverb externo, já não vai ser tão rápido assim. Vou ter que me lembrar do que fiz e tentar aproximar o som ao que estava. Isso implica perder um dia a refazer tudo para uma linha de guitarra e no fim podem não gostar da mudança. Há artistas que lidam bem com estas alterações, há outros que perguntam “Isso tá igual? Parece que não ficou com a mesma energia.” Esta pergunta acontece quer seja só copiar o preset do Guitar Rig quer seja perder o dia a refazer o som. Copiar o preset é uns minutos, refazer um som são horas. Mais tempo implica mais despesa para o artista. E ninguém quer gastar mais do que o estritamente necessário.

Quando as contas aumentam

Outra coisa que muitos artistas não sabem é a despesa que é ter uma mesa. É quase uma renda. Uma mesa clássica tem de ter uma fonte de alimentação para alimentar todos aqueles canais, a longo prazo, para aumentar o tempo de vida dos componentes e poupar em custos de manutenção, é preferível deixar a mesa ligada 24/7. Isto aquece, ou seja a alimentação da mesa convém estar numa sala à parte com ventilação e controlo de temperatura via A/C para não ser um desconforto na régie. Se a mesa está ligada 24/7, a ventilação e A/C também têm de estar. Conta com um mínimo de 300€ todos os meses só para isto. Mesmo tendo este cuidado, convém chamar alguém especializado pelo menos uma vez por ano, só para rever a mesa para confirmar se está tudo bem. O preço à hora no estúdio tinha de subir para poder manter a mesa.

#EyeCandy

É claro que para o insta, estar em frente a uma mesa de mistura manda uma pinta do caneco. #StudioPorn. Tanto os artistas como os técnicos adoram. Mas se prestarem atenção a fotos tiradas quando a malta está em work mode, vão reparar que a mesa de mistura não passa de uma mesa para pousar o rato e o teclado do PC, para o produtor pousar o portátil, serve também para controlar o volume das colunas – às vezes – e para ver os VU’s e as luzinhas a piscar. Não vou estar aqui a cascar na malta, há técnicos que aproveitam a mesa para somar grupos, ou seja a mistura é feita in the box e depois é feito um print do tema – que passa por grupos na mesa – de volta para o PC.

 

Feitas as contas

No final, o ouvido comum, o consumidor da música, não faz ideia em que mesa foi misturado e se foi misturado numa mesa sequer. Se a música for boa, isso tudo tanto faz. Não me interpretem mal. Eu gosto de outboard e gosto de mesas de mistura. Só acho que nem sempre é viável na fase de mistura. Quando estamos a gravar, isso já é outra história!

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